Индийское изобразительное искусство носило прикладной характер. Архитектура и изобразительное искусство народов индии. Цивилизация долины Инда

Индия – одно из древнейших государств с яркой и многоликой культурой. На формирование особого, присущего ей архитектурного стиля, а также на скульптуру, живопись, музыку и танцы повлияли три разных религиозных течения – буддизм, индуизм и ислам. В связи с этим до наших дней сохранились исторические культурные памятники, способные многое рассказать о жизни страны в древние времена.

Архитектура Индии

Основной религией Индии является индуизм, это многогранное религиозное учение, имеющее многообразный пантеон богов. Индуистские храмы, или как их еще называют мандиры, представляют собой удивительное зрелище, это каменные столпообразные сооружения, покрытые тончайшей резьбой по камню. Храм обычно посвящают одному из воплощений бога или одному из девов, именно ему приходят поклоняться. Существует и храмы посвященные нескольким богам сразу. Индуистские храмы в Индии, сохранившиеся до наших дней, имеют важное историческое или археологическое значение, поэтому находятся под охраной Археологического управления Индии. Чаще всего такие храмы были построены из кирпича и дерева, к тому же по архитектурному стилю они отличаются друг от друга в зависимости от района, где они находятся. Огромная часть индуистских храмов пострадала во времена исламского господства.

К буддийской архитектуре относятся построенные в скалах буддийские храмы с многочисленными изваяниями Будды в образе человека. Каждая из таких статуй несет людям зашифрованное послание, поэтому по различным мельчайшим деталям можно сказать очень многое о том, что хотели донести до нас наши предки. В буддийских храмах находятся «ступы», представляющие собой круглы мемориальные сооружения. Предполагается, что в них когда-то хранились останки усопших. Стены буддийских храмов украшены фресками с изображением сцен из жизни Будды, которые сохранились в отличном состоянии до нашего времени, благодаря использованию особых стойких красок.

С тех времен, когда Индия попала под влияние исламских завоевателей, на ее территории было построено множество прекрасных мечетей. Самой известной достопримечательностью Индии, является мавзолей мечеть Тадж-Махал. Она явилась символом любви Шаха Джахана к своей жене Мумтаз, которая умерла при родах. Тадж-Махал выполнен из белого мрамора, украшен тончайшей резьбой и установлен на огромном постаменте, поэтому напоминает белое воздушное облако. Другие мечети распложенные на территории Индии тоже имеют важное культурное значение.

Скульптура Индии

Помимо храмов до наших дней дошло большое количество статуэток представляющих собой богов. Главные индуистские боги – это Брахма (творец, его воплощение представляет собой сидящую человеческую фигуру с несколькими головами и несколькими руками, чаще всего он сидит на цветке лотоса), Вишну (охранитель, его воплощение представляет собой различные аватары: чаще всего его изображают синего цвета с четырьмя руками, в каждой из которых находится морская раковина, диск, булава и лотос, также он может изображаться сидящем на кольце из змей, или на спине у птицы. Другие аватары присущие Вишну – это Рыба, Черепаха, Человеколев, Вепрь, Карлик, Рама, Кришна и Будда. У ног Вишну может находится изображение его жены.) Шива (разрушитель, его изображают иногда в образе аскета, тело которого натерто белым пеплом, сам он сидит в позе медитации на тигровой шкуре в Гималаях. К его волосам на макушке прикреплен полумесяц, из которого вытекает священная река Ганг. Иногда же он – Натарадж, владыка танца, изображается в грациозном кружении, при этом он поддерживает Вселенную своим нескончаемым танцем. Шиву зачастую изображают вместе с его супругой Парвати и быком Нанди, на котором он передвигается), Шакти (женское воплощение жен богов Шивы и Вишну, иногда их еще называют Шактами. Шива-Шакти красивая женщина, она имеет множество воплощений – Дурга, Кали, Чанди или Чамунди. Парвати-Шакта чаще всего изображается в виде красивой женщины, сидящей в позе медитации, в некоторых случаях она изображается рядом со своим мужем Шивой и маленьким сыном Ганеши). Есть в индуизме и множество других богов, наиболее популярен из них Ганеши, они является сыном Шивы и Парвати. Его обычно изображают в виде фигурки человека с головой слона. Живописные изображения богов индуистского пантеона, а также из изваяния и скульптуры имеют огромное культурное значение.

Декоративно-прикладное искусство Индии

Большое количество ценных предметов искусства, являющихся наследием этой удивительной древней цивилизации хранится в музеях. К ним можно отнести множество древних текстов религиозного содержания, поэзию и прозу, живописные изображения и множество икон, могольские миниатюры, представляющие собой иллюстрации к книгам, а также посуду, украшения, оружие, ковры, ткни, уникальные лаковые изделия, изделия из бронзы и металла и предметы обихода. Большой вклад в сохранение сокровищ и памятников архитектуры Индии внес русский художник Рерих. Позже его инициативу поддержал сын Святослав Рерих, который способствовал в свое время заключению Международного пакта по охране культурных ценностей.

Индийская живопись
Традиция живописи на Индийском субконтиненте уходит корнями в далекое прошлое. Доказательствами высокого мастерства индийских художников служат сохранившиеся до нашего времени фрески в пещерах Аджанты и Эллоры, буддистские манускрипты на пальмовых листьях, миниатюрная живопись могольской и раджпутской школы и многое др.
Посредством рисунка индийское классическое живописное искусство выражает радостность жизни, щедрость ее даров, религиозные чувства и торжество духовного совершенства. Характерной чертой индийской живописи является отсутствие в ней, в отличии от европейской, темы трагичности.
Индийское классическое изобразительное искусство можно условно разделить на два вида: на настенную живопись (фрески) и на миниатюру. Со временем эти виды развились в смесь различных стилей, влиявших один на другой. К примеру, от пещерной настенной живописи впоследствии возникает индийская храмовая настенная роспись.

Пещерные (наскальные) фрески
История наскальной живописи Индийского полуострова восходит ко II тысячелетию до н. э. Ярким примером этого могут служить пещерные фрески Багха, Ситтанавасала. Отдельного внимания заслуживают фрески Аджанты и Эллоры, занесенные в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, являющие собой сокровищницу древнего художественного искусства.

Пещеры Аджанты (Ajanta), датируемые II в. до н.э. - V в. н.э., когда-то были обителью буддистских монахов. Позже, покинутые, как считается, во времена расцвета Эллоры, они были забыты вплоть до 1819 г. Обнаруженные по случайности британским охотничьим отрядом, пещеры открыли миру высшее художественное мастерство древней Индии. В пещерах находится множество великолепных фресок, написанных темперой . Отреставрированные в 20-х годах ХХ столетия фрески Аджанты демонстрируют истории из жизни Будды, а также царственных персон и окружения. Сегодня наскальная живопись Аджанты признана историческим наследием и культурным достоянием Индии.

Настенная роспись Аджанты

Падмапани Бодхисаттва (Аджанта)

В пещерном храмовом комплексе Эллоры (Ellora) наскальные фрески сохранились в основном в храме Кайласа. Одни из них изображают бога Вишну и его супругу Лакшми, другие — небесных куртизанок апсар , а также риши — святых мудрецов.

Фрески Эллоры

Высеченные в скале пещеры Багх (Bagh), расположенные в штате Мадхья-Прадеш, славятся своей настенной живописью. Согласно легенде, эти пещеры были основаны буддистским монахом Датакой. Ранее считалось, что пещеры Багх датируются VII в. н. э., но найденные в них настенные надписи указывают на то, что пещеры были созданы в период с IV по VI в. н.э.
В X в. с упадком буддизма пещеры были заброшены, но в 1982 г. их отреставрировали. Самые знаменитые фрески Багха выполнены темперой .

Багх

Фрески Багха

Пещера Ситтанавасал (Sittanavasal/Chithannavasal) — это прекрасный пример наскальной живописи средневековой Индии, расположенный в штате Тамил-Наду. Пещера представляет собой вырезанный в скале джайнийский храм-монастырь, известный как Аривар Койл (Arivar Koil), датируемый VII-IX вв. н.тэ. Он примечателен своими фресками, которые были написаны растительными и минеральными красками на нанесённой тонким слоем мокрой штукатурке. На стенах изображены прекрасный лотосовый пруд, танцующие фигуры людей, животные, птицы.

Ситтанавасала

Индийская миниатюра

Миниатюра — это изящный вид живописи Индийского субконтинента. Изюминкой этого искусства является сложная и деликатная манера письма. Краски для написания миниатюр традиционно делали из натуральных материалов: минералов, растений, драгоценных камней, золота, серебра, раковин моллюсков. Написание миниатюрных картин является очень сложным, кропотливым искусством, где без внимания не остается ни одна из деталей.

Восточно-индийская школа миниатюрной живописи XI - XII вв.
Школа живописи Пала
Самые ранние экземпляры индийской миниатюры относятся к периоду правления буддистской империи Пала, охватывавшей территории современных Зап. Бенгалии, Бангладеша и Бихара. Миниатюры Пала представляют собой иллюстрации к религиозным буддистским манускриптам, датируемым XI-XII вв. Стиль школы Пала — это искусные изящные линии, приглушенные тона, умелое моделирование фигур, использование натуральных красок. Этот натуралистический стиль напоминает идеально отлитые формы бронзовых скульптур и перекликается с фресками Аджанты. Школа Пала уделяет особое внимание символическому использованию цвета в картинах, заимствованному из тантризма.

Бодхисаттва Майтрея (Пала)

Мамаки (Пала)

Херука (Пала)

Западно-индийская школа миниатюрной живописи XII - XVI вв.
Джайнская миниатюра
Западно-индийский стиль миниатюрной живописи развился и доминировал на территориях Гуджарата, Раджастана и Мальвы. Одной из движущих сил творчества в этом регионе, на тот период времени, был джайнизм, покровительствовали которому с середины X в. до конца XIII в. правители династии Чалукьев. Огромное количество религиозной джайнийской литературы широко использовалось среди знати и богатых купцов того времени. Множество из этих манускриптов хранятся сегодня в джайнийских книгохранилищах (Бхандара/Bhandara) во многих местах Западной Индии. Рисунки в этих рукописях сильно стилизованны и искаженны. Акцент вджайнской миниатюре делается на несоразмерность частей тела, глаз, бедер и груди, на их существенное преувеличение. Джайнская школа мниатюрнойживописи уделяет особое внимание чистым цветам, тяжелым золотым контурам и минимизации одежды.
Начиная с XV в. на западно-индийскую школу живописи начинает оказывать влияние персидский стиль изобразительного искусства. Об этом свидетельствуют присущие персидской живописи типы лиц на картинах, формы цветущих деревьев, присутствие сцен охоты, трава растущая пучками, небеса и облака. Особенно заметно это влияние в использовании ультрамаринового и золотого цветов, преобладающих в изобразительном искусстве Персии. Ранними примерами персидской живописи в Индии являлись иллюстрированные манускрипты, многие из которых копировались и постепенно распространялись по всему Индостану.

Бахубали (Джайнская миниатюра)

Могольская школа миниатюрной живописи
Могольская миниатюрная живопись отражает сочетание индийского и персидского стилей. Как искусство она возникла в период правления могольского императора Хумаюна (1530-1540 гг.; 1555-1556 гг.). Вернувшийся в Индию из Персии, где он находился в изгнании, Хумаюн привез с собой двух персидских художников, положивших начало развитию могольской миниатюрной живописи. Со временем персидская живопись, впитавшая местные традиций, сформировала свой характерный стиль. Основной тематикой могольской миниатюры являются сцены охоты, боя, сцены из придворной жизни, моменты из легендарных историй, природный ландшафт, изображения животных и портреты.

Джахангир

Под покровительством императоров Акбара, Джахангира и Шах Джахана могольская школа живописи поднимается на новую ступень своего развития. Во времена правления Акбара Великого (1556-1605 гг.) отмечался большой рост художественных мастерских. Сотни художников работали при дворе, следуя стилю, основанному двумя персидскими живописцами, прибывшими некогда с Хумаюном в Индию. Поскольку император Акбар обожал легенды и истории, главными темами в этот период были сцены из Махабхараты, Рамаяны и персидских эпосов.
Во время правления императора Джахангира (1605-1627 гг.) искусство получает огромную поддержку, особенно живопись. В этот период манера письма картин становится более утонченной, цвета более легкими и приглушенными. Наряду с портретами, изображениями животных, птиц и природы, главными темами картин становятся события из жизни самого Джахангира. Ярким примером являются иллюстрации к «Джахангир-наме» (автобиографический дневник императора).
В период правления Шах Джахана (1628-1658 гг.) чувствительность в картинах постепенно была заменена холодностью и строгостью. Тематика картин вращалась вокруг музыкальных произведений, влюбленных пар, святых подвижников.
Тенденция развития живописи, отмечавшаяся в периоды правления Акбара, Джахангира и Шах Джахана, постепенно стала снижаться, когда к власти пришел император Аурангзеб (1658-1707 гг.). Не оказывая должной поддержки художникам, император положил начало упадку могольской живописи. И уже к середине XVIII в. в период правления Шаха Алама II (1759-1806 гг.) искусство живописи Великих Моголов почти исчезло, оставив после себя лишь одну ветвь, известную как раджпутская школа живописи.

Император Акбар

Раджпутская школа миниатюрной живописи
Со времен правления Аурангзеба придворные художники, оставшиеся без покровительства императорского двора и средств к существованию, были вынуждены искать прибежища в других землях. Постепенно переселившись в Раджастан, мастера могольской живописи стали возрождать могольскую миниатюру, но уже под особым влиянием местного изобразительного искусства. Так в каждом из раджпутских княжеств зародился собственный стиль. Тем не менее, все они имеют схожие черты, развившиеся еще при дворе Великих моголов. Со временем раджпутская миниатюра стала боле масштабной, переместившись на внутренние стены дворцов и фортов. Основными темами раджпутской живописи становятся истории из Махабхараты и Рамаяны, местные пейзажи и повседневная жизнь людей, а также истории из Бхагавата Пураны, Кришна-лилы и Рагамалы. Краски для живописи местные художники получали из природных материалов.

Новая девушка в гареме

Кришна и гопи

Рагамала (букв. «гирлянда раг (мелодий)») эмоционально-музыкальное настроение переданное языком рисунка – классический пример слияния живописи, поэзии и музыки, воплощенный в прекрасных миниатюрах. Это живопись, в основу которой легли различные индийские музыкальные мотивы из раг. Общей темой рагамал является любовь между мужчиной и женщиной. Абсолютно все рагамалы изображаются в конкретных цветовых гаммах, в зависимости от времени суток или сезона, в которые исполняют те или иные раги. Делается это с целью передачи эмоции и настроения вызываемых рагами.

Школа живописи Пахари
Считается, что живопись Пахари – это отражение раджпутской миниатюры, которая развивалась и процветала в период с XVII по XIX вв. на землях, подвластных раджпутским князьям (области современных штатов Химачал-Прадеш и Джамму и Кашмир).
Живопись пахари можно классифицировать в пределах двух стилистических школ, а именно басоли и гюлер-кангра .

С незапамятных времен провинция Джамму была разделена на независимые княжества, среди которых Басоли всегда занимало важное место, где и возник знаменитый центр искусства. Зародившись в Басоли (Basohli/Basholi) этот одноименный стиль широко распространился, постепенно преобразовавшись в другие известные стили живописи пахари, а именно чамба , гюлер , кулу и манди . Живопись басоли легко распознать по энергичным, смелым линиям и ярким цветам (красным, горчичным и синим). Она также характеризуется геометрическими узорами, глянцевой эмалью, поразительными лицами с высокими лбами и выразительными глазами, подобными лепесткам лотоса, а также одеждой в могольском стиле. Излюбленными темами художников того времени были сцены из "Гита Говинды", "Бхагавата Пураны", а так же Рагамалы.

Басоли

С постепенным исчезновением стиля басоли в середине XVIII в. на арене Индийского изобразительного искусства появился cтиль кангра или гюлер-кангра , названный так в честь области Кангра, где он возник. Развиваясь и обретая популярность, школа мастеров живописи кангра, стала заметно выделятся в горном регионе. Данный стиль возник в небольшом княжестве Гюлер (Guler), расположенном на территории современного округа Кангра в Химачал Прадеше. Особенностью стиля кангра является широкое использование оттенков зеленого. Этот стиль более чем натуралистический, так как огромное внимание в нём уделяется деталям окружающей природы: цветущим растениям, лианам, ручьям, природным стихиям. В своих работах художники используют основные цвета, разбавляя их нежными, свежими оттенками. Композиции многих картин состоят из сложных ландшафтов. Но особое внимание мастера стиля кангра уделяют женственности, изображая женщин изящными и утонченными. Вдохновлённые культом бхакти, распространившемся к тому времени в этих местах, художники, изображали на своих картинах истории из" Гита Говинды" и "Бхагавата Пураны".

Кангра

Деканская школа живописи
Деканская школа, развивавшаяся на территории Деканского плоскогорья с XVI в., поглощала в себя традиции живописи Малавского султаната, а также южноиндийские традиции Виджаянагарской школы живописи. Выдающимся примером живописи Малавсого султаната является иллюстрированная рукопись «Кальпа-сутры», датируемая 1439 г., а также трактат об искусстве приготовления пищи «Нимат Нама».

Иллюстрация к Нимат Наме

Деканская школа живописи характеризуется сочными и яркими цветами, что ставит ее в противовес школам севера. Основными цветами в деканской миниатюре являются синий, красный и розовый. Главную роль здесь играет симметрия. Фигуры людей, архитектурные сооружения, деревья, цветы, подушки, складки на одежде и даже положение различных частей тела размещены на полотне так, чтобы во всем было соблюдено равновесие.

Деканская миниютюра

Многие из примеров деканской живописи XVI в. выдержаны в персидском стиле, поскольку местные художники являлись потомками приглашенных в Индию живописцев из Персии. Однако с течением времени персидские элементы были в значительной степени заменены на местные.
Позже, когда могольский стиль живописи с приходом к власти императора Аурангзеба стал проникать на территорию деканских султанатов Ахмаднагара, Биджапура и Голконды, деканская школа преобразилась, вобрав в себя его особые черты.
Наиболее известным примером живописи Ахмаднагара (Ahmadnagar) является иллюстрированная рукопись поэмы «Тариф-и-Хуссэйн Шахи» (Tarif-i-Hussain Shahi) на персидском языке, летопись правление Хуссейна Низам Шаха (Husain Nizam Shah) 1565-1569 гг.

Живопись Биджапура (Bijapur) известна своими иллюстрациями к книге «Звезды наук» (Nujum-al-ulum) с многочисленными миниатюрами, выполненными в характерном персидском стиле. Отличительной особенностью данного стиля является обилие золотого цвета и многочисленных цветущих растений, поскольку при дворе Али Адил Шаха (Ali Adil Shah), правившего в период с 1558 по 1580 гг., работали персидские мастера живописи.

Голкондский (Golkonda) стиль также схож с персидским.

Голкондская миниатюра

Мигрирация художников из могольского государства способствовала возникновению новых центров живописи на Деканском плато, таких как Хайдерабад. Хайдерабадская (Hyderabad) школа живописи стала развиваться после становления династии Асаф Джахи (Asaf Jahi) в 1724 г. Основными характеристиками хайдерабадского стиля живописи являются, подобно деканскому, сочные и выразительные цвета.

Хайдарабадская миниатюра

Традиции деканской школы живописи оказались настолько прочными, что даже несмотря на упадок деканских султанатов, они продолжают жить и радовать взоры.

Южноиндийская живопись

Танджорская живопись
Танджорская живопись — одна из самых популярных форм классической южноиндийской живописи. Плотное заполнение, обилие элементов роскоши, яркие цвета, а также использование инкрустации полудрагоценными камнями, жемчугом и разноцветным стеклом отличают танджорский стиль от других видов живописи. Такая рельефная работа придает картинам трехмерный эффект.

Танджорская живопись зародилось в XI в. во времена правления тамильской династии Чола. Этому искусству также покровительствовали князья династии Наяков. Падение Виджаянагарской империи привело к массовой миграции виджаянагарских художников в Танджор (Танджавур), что привело к смешению художественных стилей и вывело уникальную танджорскую школу живописи на новый виток развития. Во времена правления монархов династии Чола ранняя танджорская живопись встречалась лишь в виде фресок на стенах храмов и дворцов. Позже, с преобладанием влияния династии Наяков фрески стали уступать свое место картинам. Ярким примером танджорской живописи времен Чола и Наяков являются фрески храма Брихадишвара в Танджавуре.

Картины танджорской школы могут быть как довольно огромными, так и очень миниатюрными. Главными сюжетами танджорского стиля являются изображения богов, богинь, святых личностей, сцены дворцовой и общественной жизни. Центральный персонаж картин всегда детально прорисовывается. Фигуры в танджорской живописи обладают округлыми формами и довольно массивны. Классический традиционный рисунок наносился природными красителями на деревянные дощечки, известные как Palagai Padam (Palagai означает деревянная дощечка, Padam - рисунок), для которых использовали древесину джекфрута (Artocarpus heterophyllus) или тика (Tectona grandis). Современные же художники применяют обычные краски и фанеру, на которую натягивается холст.

Майсурская живопись
Майсурский стиль так же как и танджорский считается классической формой южноиндийской школы живописи, которая является ответвлением Виджаянагарской школы. Она развилась в княжестве Майсур (Карнатака), подчинённом Виджаянагарской Империи. С 1399 г. Майсуром правила династия Вадьяров, покровительствовавшая развитию искусства, в частности живописи, которая в этот период достигла наивысшего расцвета. Художники Майсура расписывали своими картинами стены и потолки храмов и дворцов. Наглядным примером ранней майсурской живописи является все еще действующий храм Вирупакши в Хампи, датируемый VII в. н.э.

Фрагменты храмовой росписи в Хампи

Схожий с танджорским стилем майсурский завораживает своей красотой и сложностью исполнения. Приглушенные тона, изысканность и тончайшая детализация предметов — основные характеристики майсурской живописи. Основная тематика майсурской живописи — это изображения богов и богинь, а так же сцен из индуистских и джайнийских эпосов. Майсурская живопись выполняется на плотной бумаге, наклеенной на деревянную дощечку. Ранее для создания картин использовали природные красители и золотую фольгу, сегодня же вместо природных красок художники используют акварель.
В наше время картины, выполненные в майсурском стиле, жители южной Индии преподносят в качестве памятного подарка.

Другие стили индийского изобразительного искусства

Мадхубани
Согласно легенде, роспись мадхубани (madhubani), или как ее еще называют майтхили /митхила , зародилась как искусство во времена правления легендарного правителя страны Видеха, царя Джанаки. Дворец Джанаки, отца принцессы Ситы, находился в городе Митхила. К свадебной церемонии единственной, а потому любимой дочери Ситы и царевича Рамы, царь и распорядился украсить свой дворец. С той-то поры ни одна из свадеб не обходится без украшения внутренних стен домов прекрасной живописью.
Изначально картины рисовали на внутренних стенах домов по свежей штукатурке. Штукатурный раствор готовили из земли, смешанной с коровьим навозом. Росписью занимались исключительно женщины и лишь по случаю свадьбы. Так настенная живопись, называемая местными жителями Бхитта Читра (Bhitta Chitra), переросла в культурную традицию, чтимую на протяжении веков.
Тематика митхильской живописи вращается вокруг индуистских божеств, небесных светил, Солнца и Луны, священных растений, а также сцен из жизни, связанных с всевозможными торжествами, в основном свадебными.

Эта традиционная живопись имеет пять отличительных стилей: Бхарни, Качни, Тантрик, Годна и Гобар (Bharni, Katchni, Tantrik, Godna и Gobar). Первые три стиля основали и применяют женщины из высшего сословия (брахманов). Основной направленностью этих стилей являются религиозные темы, изображающие богов и богинь. Другие два стиля включают аспекты повседневной жизни, а также божественную символику (без изображения богов и богинь) и исполняются представительницами низших сословий (шудры).
Для создания красок используют только натуральные красители, полученные из растений или других природных веществ. Для черного цвета применяют древесный уголь или сажу, для белого — рисовую муку. Желтый цвет получают из корня куркумы, синий — из индигоферы красильной (Indigofera tinctoria ) , красный — из цветков гибискуса (кусама/kusam) или красного сандала, зеленый — из листьев. Картины пишут либо кистью, либо палочками, иногда просто пальцами.

Вплоть до 1934 года митхильская живопись была недоступна для внешнего мира. Только лишь после сильнейшего землетрясения 1934 г., потрясшего штат Бихар, живопись мадхубани стала всеобщим достоянием.
Во время осмотра повреждений домов британский офицер Уильм Г. Арчер был ошеломлен и очарован красотой и незаурядностью, найденных им изображений, украшавших внутренние стены сооружений. В результате этого открытия митхильское изобразительное искусство взошло на очередную ступень своего развития. Во время засухи 1966-68 гг., повлекшей за собой голод в регионе, преследующая цель популяризации митхильской живописи, а так же оказания помощи бедствующему населению, г-жа Пупул Джайакар (Pupul Jayakar) (позднее глава Всеиндийского совета по ремеслам), рекомендовала субсидировать местных умелец, предложив им рисовать свои картины на бумаге и холсте. Сегодня роспись мадхубани широко известна по всей Индии, а также и за ее пределами.

Паттачитра
Паттачитра — это традиционная народная живопись жителей Ориссы. Патта означает «ткань», читра – «картина». Роспись производят на шёлке или хлопке, который клеят на бумагу. Основной тематикой паттачитры является сюжеты из "Бхагавата-пураны" и гаудия-вайшнавский культ. Местные мастера, известные как читракары (chitrakar), придерживаются классических традиций, применяя в работе природные красители.
Существует также разновидность паттачитры, известная как тала паттачитра (Tala Pattachitra), т.е. роспись на пальмовых листьях.

Бенгальская живопись пата
В Западной Бенгалии существует свой аналог паттачитры — это традиционная живопись пата (pata) . Роспись выполняют на хлопке, шелке или любой другой ткани. Для красителей используют только природный материал. Сюжетами картин могут служить как индуистские религиозные мотивы вайшнавского (вишнуиты) толка, так и связанные с буддизмом истории. Также весьма популярной является природная тематика (животные, морские обитатели и растения).

Каламкари (kalamkari) — это особая техника росписи или штамповки по хлопковой ткани или шелку органическими красителями. Этот вид искусства пришел в средние века на территорию Индии из Персии. В переводе с фарси калам — это «перо, палочка для письма», а кари означает «мастерство/искусство». Каламкари подразделяется на два стиля: стиль Шрикалахасти и стиль Мачилипатнам.
В Шрикалахасти каламкари (shrikalahasti kalamkari) роспись выполняется вручную при помощи калам – палочки из бамбука или финиковой пальмы, которую наполняют органическими красителями. Вначале рисуют контур традиционных узоров, а затем раскрашивают цветными красками. Основной тематикой этого стиля являются истории из «Рамаяны», «Махабхараты» и пуран, а также жизнь Будды. В старину разноцветные панно с изображениями богов в стиле шрикалахасти каламкари украшали стены храмов. Бродячие артисты устраивали представления, используя огромные холсты, демонстрирующие истории из пуран (древнеиндийские писания), выполненных в этой технике.

Мачилипатнам каламкари (machilapatnam kalamkari) — это роспись по ткани при помощи деревянных штампов. Этот стиль развился во времена правления Великих Моголов и обрел особое покровительство Султаната Голконда. Отличительной особенностью этого стиля являются персидские цветочные мотивы.
В технике каламкари выполняются различные текстильные изделия, такие как настенные панно, занавески, покрывала, подушки, сумки, а также сари и накидки. Сегодня, как и много веков назад, каламкари является основным источником дохода многих семей Андхра-Прадеша.

Живопись Гонд (gond) является одной из форм индийского народного искусства, практикуемого племенем гонд, бывшем некогда самым крупным племенным сообществом Центральной Индии. Термин гонд происходит от дравидского конд , что означает «холм». Хотя живопись гонд относится преимущественно к племенному искусству Мадхья-Прадеша и его окрестностям, эта форма изобразительного искусства довольно широко распространена в Андхра-Прадеше, Махараштре, Чадисгархе и Ориссе.
Согласно древним поверьям племени гонд, красивые изображения, несомненно, приносят удачу и отгоняют злых духов. Поэтому традиция украшать стены и полы жилищ стилизованными рисунками сохранилась до сих пор. Гонды, хотя и исповедуют индуизм, остаются приверженцами анимизма, поэтому их картины наделены почтением ко всему окружающему их миру, будь то горы, лес или реки. Некоторые изображения рассказывают историю народа, а также индийские легенды и мифы. Художники рисуют свои картины короткими штрихами и точками. Цвета, используемые в живописи гонд яркие, наполненные живостью. Для красок традиционно используют только натуральные красители, такие как древесный уголь, земля, коровий навоз, сок растертых листьев и цветов. Однако последнее время активно используются бумага, чернила и акриловые краски, что придает картинам долговечность. Благодаря своей уникальности живопись гонд заняла прочное место на мировом рынке. Сегодня спросом пользуются не только настенные панно, но и сувениры (ручки, чашки и всякие безделушки), расписанные в этой технике.

Достигла высокого уровня развития. Дворцы и резиденции знати украшали великолепные настенные росписи и произведения станковой живописи. Разумеется, существовали профессиональные художники, но женщины и мужчины, принадлежавшие к просвещенным кругам, тоже владели искусством кисти.

То, что осталось от древней индийской живописи, несмотря на плохую сохранность, позволяет судить о ее качестве. В основном это настенные росписи внутри некоторых пещерных храмов. Многие храмы украшались живописью, сами статуи были ярко раскрашены, и зачастую их еще можно увидеть в индуистских храмах. Несколько гротов, расположенных в разных местах, имеют еще довольно грубые фрески, примитивного стиля и довольно посредственного художественного качества; многие индологи полагают, что это доисторическая живопись. Тем не менее в некоторых искусственных гротах культового назначения встречаются образцы гораздо более совершенного стиля, которые можно отнести к величайшим шедеврам, завещанным нам цивилизацией древности.

Наскальная живопись Аджанты обычно рассматривается как фрески, но этот термин здесь не совсем приемлем, так как настоящие фрески рисуются по влажной штукатурке, в то время как настенные росписи Аджанты были созданы на сухом покрытии. Стены предварительно покрывались слоем глины или грязи, смешанной с шерстью или соломой, затем - слоем гипса. Это покрытие было достаточно стойким, учитывая неблагоприятные климатические условия; но оно портилось местами, и за время, прошедшее с прошлого века, когда были сделаны первые копии, росписи еще больше разрушились. Зато сами цвета остались изумительно свежими. Эти картины изначально писались яркими красками, и они до сих пор сохраняют чистоту и контрастность оттенков. Художники работали, вероятно, в темных гротах, используя наружный свет, отражающийся от зеркал, сделанных из отполированного металла.

Скорее всего, росписи IX и X гротов в Аджанте, иллюстрирующие сказку о слоне, сделаны до начала нашей эры, тогда как I и XVI гроты были расписаны, возможно, шестью веками позже. В самых ранних линия более резкая, а позднее композиция становится более продуманной; однако мы не можем, как в скульптуре, проследить эволюцию стиля, и различия произведений, вероятно, объясняются разницей вкусов и темпераментов мастеров, под чьим руководством велись работы в каждом из гротов. Фрески изображают главным образом сцены из жизни Будды и эпизоды из джатак.

На гуптский период приходится апогей индийской настенной росписи, наиболее полно представленной в Аджанте (I, II, VI, VII, XI, XVI и XVII гроты). Может показаться, что перед нами ряд разнородных сцен, никак не отделенных друг от друга, но, если охватить взглядом все целиком, изображение упорядочится. Эти композиции действительно имеют весьма изощренную круговую или овальную структуру: в каждой группе взгляд движется от периферии к центру, затем снова направляется к периферии, где встречает внешние линии соседней группы, которые приводят взгляд к новому центру, и так далее. Связь между группами осуществляется при помощи второстепенных персонажей, которые служат проходом, переходом от одной группы к другой. Отметим также, что эти сцены организуются не по западным законам перспективы с единой точкой удаления, а по нескольким линиям удаления.

Гуптский период характеризовался также расцветом индийского ню - как в изображении Будды, так и в изображении женского тела. Такое решение имеет не только эстетическую функцию, но и соответствует языку пластики, на котором основаны также канонические правила (шастра) танца и театра. Каждый жест, каждая поза имеют эмоциональную коннотацию, спектр которой очень широк: от гнева к радости, от отказа от мира к медитации, и т. д.

Создаваемые в религиозных целях, настенные росписи Ад-жанты тем не менее имеют светский характер. Мы найдем здесь более яркие, чем на барельефах Санчи, панорамы повседневной жизни Древней Индии . Принцы в своих дворцах, их супруги в гаремах, кули с тяжелыми ношами на плечах, нищие, крестьяне и аскеты, а среди них - животные, цветы и птицы: целую эпоху запечатлели на стенах гротов верной и точной кистью множество художников, о мастерстве которых свидетельствует изящество и утонченность форм.

Среди массы шедевров Аджанты следуют отметить фигуру молодого человека, слегка изогнувшегося в позе трибханга (особо любимой индийскими художниками), с украшениями на голове и белым цветком лотоса в правой руке. Это смягченные и печальные черты бодхисатвы Авалокитешвары Падмапани, «господина, взирающего вниз с состраданием». Несмотря на свои украшения и очевидную молодость, бодхисатва понимает и разделяет все страдания мира. Художнику, создававшему его, вполне удалось выразить свою мысль: вселенная небезучастна к трудам и боли всех живых существ.

Религиозное чувство совсем другого рода выражает картина, изображающая окруженного ореолом Будду, выпрашивающего свой хлеб насущный рядом с женщиной и ребенком - как полагают, со своей супругой Яшодхарой и сыном Рахулой. Утонченные портреты этих двух второстепенных персонажей остаются почти незамеченными на фоне величественного образа учителя, чье бесстрастное лицо и прикрытое длинной туникой тело выражают, как и у сидящего сарнатхского Будды, сверхчувственную безмятежность.

Примечательны росписи, украшающие стены веранды у входа в грот в Багхе, приблизительно в ста шестидесяти километрах на север от Аджанты, которые изображают процессию слонов, поразительную по своей композиции, и прелестную сцену с музыкантами и танцовщицами. Стиль живописи Аджанты обнаруживается во фрагментах росписи в других гротах Декана: в Бадами и Эллоре. Дальше на юге, в стране тамилов, в пещерном джайнском храме, расположенном в Ситаннавасале, еще осталось несколько превосходных, но сильно поврежденных настенных росписей. Наконец, в храме Раджараджешвара в Тан-джувуре найдено несколько великолепных картин, датируемых периодом Чола.
Некоторые из росписей южных школ, очень плохо сохранившиеся, находятся на Цейлоне - в Сигирийе, в огромной скале, где царь Кашьяпа I велел выстроить себе дворец в V в. Эти фрески были почти полностью разрушены солнцем и муссонны-ми дождями; но посреди высокого каменистого откоса, защищенные нависающим выступом, еще видны сквозь облака фигуры двадцати одной апсары. Предполагалось, что это изображения цариц или наложниц Кашьяпы, так как некоторые лица явно индивидуализированы. Некоторые авторы продолжают разделять гипотезу о царицах, более старую, но из контекста более правильной выглядит вторая интерпретация, высказанная впервые доктором С. Паранавитаной.

Большинство фрагментов, оставшихся от средневековых индусских фресок в Виджаянагаре, Полоннаруве (Цейлон) и в других местах, свидетельствуют о начавшемся с VIII в. упадке техники живописи. Линии становятся более резкими и теряют характерную для предыдущего периода легкость; но это все еще искусство несомненного художественного достоинства, традиция которого сохранится до мусульманского вторжения.

Под влиянием ислама индийские художники обратились преимущественно к искусству миниатюры и книжной иллюстрации, следуя в первую очередь персидским образцам. Различные литературные источники между тем свидетельствуют, что миниатюристы в Индии существовали задолго до мусульманского завоевания, и сохранилось несколько их произведений, созданных в Бихаре, Бенгалии и Непале и датируемых XI-XII вв. Эту миниатюрную, или станковую, живопись характеризовала особо утонченная манера, она лишена такого реализма, каким отличаются фрески Аджанты, и изображенные ею лица почти неотличимы одно от другого. Эти миниатюры, иллюстрирующие буддийские тексты и выполненные на деревянной доске, холсте, шелке или на пальмовом листе, должны были либо увековечивать религиозную проповедь, либо сообщать новости. Существовали разные школы миниатюры, и мы остановимся здесь лишь на тех, которые не подверглись влиянию мусульманского искусства.

Главная - бенгальская школа, ряяяигшаяся в два этапа, первый из которых был буддийским, и перешедшая в Непал после падения династии Сенов (XIII в.); она всего лишь обновила традиционную иконографию, но оказала сильное влияние на тибетскую живопись. После сохранялась до XV в. в нескольких монастырях Бихара, вдали от мусульманской власти.

Школа в Гуджарате, сохранившая свою религиозную свободу, несмотря на мусульманское давление, которому она подверглась с начала XIV в., обращалась к джайнским, иногда индуистским сюжетам, отклоняя мусульманскую иконографию, но испытывая между тем ирано-китайское влияние. В отличие от живописи Аджанты, произведения гуджаратской школы создавались не светскими ремесленниками, а монахами.

Сухой климат Центральной Азии позволил сохраниться росписям, которые не были, собственно говоря, индийскими, но сильно тяготели к индийскому искусству. Наиболее древние окружают гигантского Будду, высеченного в скале в Бамьяне, в Афганистане, и созданы раньше большинства фресок Аджанты. Многочисленные настенные и станковые произведения живописи, найденные в поселениях китайского Туркестана или в других регионах Центральной Азии, в большинстве своем являются более поздними, и их отличие от индийских образцов заметно больше, хотя влияние этих последних остается бесспорным. Они датируются периодом активной торговли между Индией и Китаем и доказывают, что китайское искусство, будучи глубоко оригинальным, тем не менее многим обязано Индии.

Каждая эпоха уникальна своей особенной культурой. Точно так же и искусство Индии постоянно менялось на протяжении многих веков. В этой стране развивались такие как живопись, архитектура и скульптура.

Становление искусства в стране Индия

Искусство Индии берет свое начало с доисторических наскальных рисунков. В целом, элементы являются чистым отражением ментальных установок этой страны, что делает их в большей степени интроспективными. Одной из них становится идея йоги о важности отрешения от всех отвлекающих внешних воздействий и мимолетных эмоций. Поэтому окружающая действительность играет второстепенную роль в стране Индия. Искусство Индии отличается тем, что основное внимание в иконографии уделяется религиозному и метафизическому, даже в том случае, когда в орнаментах, костюмах и т. д. заимствуются элементы современной жизни.

Особенности изображения окружающего мира

Вопрос об окружающей среде следует рассмотреть в контексте эстетики этой страны, которая не приемлет поверхностного натурализма, реалистичности или иллюзий. Что действительно имеет значение, так это "создание правды", которая предполагает Индии очень простое, потому что сама природа создана сложной и разумной, и только благодаря знакам и символам стало возможным ее выражать. Вот почему символы здесь играют решающую роль. Простота с этой точки зрения не несет никакого уничижительного смысла, что можно было наблюдать в декадентском искусстве. Она сводится к развитию ряда приемов для выражения истинного значения предметов или объектов, которые художник и скульптор запечатлели.

Способы изображения окружающей действительности в искусстве всегда в большей или меньшей степени отражают современные взгляды той или иной эпохи. Здесь мы не говорим о перспективе, но приемы и средства, служащие для передачи идей зрителям, которые в разные периоды времени отличались, с эстетической точки зрения не имели каких-либо преимуществ над другими в стране Индия. Искусство Индии часто очень символическое, особенно в плане передачи природы вещей.

Искусство II в. до н.э. - III в н.э

В древнем искусстве, в период II в. до н.э. - III в н.э., можно обнаружить определенный акцент на Такие художники, как, например, Амаравати, пытались возразить против окружающей действительности. В своих поисках через символы они стремились представить не только эпизоды из жизни Будды, но также, например, поклонение Якша и деревьям, что было очень распространено среди народа в тот период. Но не все искусство было посвящено аспектам повседневной жизни. Художники всегда стремятся подчеркнуть то, что внешние явления природы могут вызвать лишь ограниченные чувства. Природа, по их мнению, богата глубокими символическими значениями. Искусство древней Индии богато следами космологии, которые невозможно понять без обращения к древней индийской литературе. Такие особенности можно встретить вплоть до VI века в росписях Аджанты и Баг.

Индийская культура VI - X вв.

С началом эпохи Гупта начали появляться новые элементы. Художники потеряли интерес к человеку, но начали проявлять его к богам и их среде обитания. И даже при таком смещении акцентов они все же уделяли внимание обыденности, хотя и в меньшей степени. Изображение природы стало носить более стереотипный характер. В написанной в этот период Вишну-дхармоттара-пуране можно найти специальный раздел, посвященный живописи, где говорится о том, как должны соблюдаться условности. В последующие столетия в искусстве мы можем наблюдать в основном только темы, посвященные богам, и совсем мало - текущей в ту пору жизни.

Искусство X - XIV вв.

После 10 века в индийской живописи, так же как и в буддистских манускриптах, можно встретить очень мало элементов природы и современной жизни. Игнорируя окружающее, художники концентрировались исключительно на буддистских богах, богинях и Мандалах. Так как в своем распоряжении они обладали ограниченным пространством, то живописцы довольствовались изображением богов и богинь. Это наполняет рукописи, которые они иллюстрировали, магической силой, делает их объектом преклонения почитателей в стране Индия. Искусство Индии очень самобытно. Единственными внешними влияниями, с которыми считались художники, были убеждения тантрического буддизма. Их не волновали ни природа, ни социальные условия того периода.

Искусство Индии XIV - XVI вв.

К концу 14 века художники стали немного более заинтересованы в темах окружающей социальной жизни. В их работах можно заметить проявление мусульманских стереотипов в изображении всех иноземцев, которые фигурировали в них. Это говорит о том, что они имели определенные мнения о турках, которые в тот период управляли северной и западной частями Индии. В их работах ландшафты изображались как отдельная часть композиции, а не только как фон к конкретным сценам.

Изобразительное искусство Индии дает гораздо более наглядное представление о жизни людей, чем какие-либо другие литературные источники того времени. В 16 веке все еще сохранялась эта заинтересованность. Здесь впервые появляются, например, изображения конкретных жителей сельской местности, земледельцев и пастухов, а также женщин, вовлеченных в ежедневный домашний быт. Природа также стала представлена гораздо шире, появились полномасштабные иллюстрации лесов и диких животных. Искусство Индии стало наполняться новыми смыслами.

Живопись в стиле Мадхубани (что означает "медовый лес") зародилась в маленькой деревне Майтхили штата в Индии.
Картины Мадхубани типично характеризуются смелыми цветами, традиционными геометрическими орнаментами, фантастическими фигурами с большими выразительными глазами, красочной природой. На этих картинах изображены истории из мифологии, и любимым перснажом является Господь .
Происхождение и живописи Мадхубани или Майтхили не может быть прослежена. Митхила считается царством короля Джанаки, отца Ситы. Искусство, которое преобладало в момент Рамаяны в Митхиле, возможно, преобразовалось в течение веков в искусство майтхили. Вековая настенной живописи в Бихаре сыграла значительную роль в развитии этого вида искусства.

Миниатюрная живопись

Как следует из названия, миниатюрная живопись относится к произведениям небольшим по размеру, но богатым деталями изображаемого и экспрессией. Миниатюрная живопись Индии представляет собой обширное разнообразие категорий, включая обилие Могольских миниатюрных картин, которые изображают сцены придворной жизни и современных личностей, события и действия времен Моголов.
Главной особенностью миниатюрной живописи является замысловатые рисунки тонкой кистью и яркими красками, изготовленными из полудрагоценных камнях, морских раковин, золота и серебра.
Индийские миниатюры развитой в период империи великих Моголов (XVI-XIX века) следовали лучшим традициям персидской миниатюры. Хотя миниатюрная живопись развивалась при дворах великих Моголов, стиль был принят индусами (раджпутами) и позже сикхами. Могольская миниатюра процветала во время правления Акбара, Джахангира и Шах-Джахана. Существует довольно много картин, которые сохранились до наших дней.

Живопись Гонда является одной из форм племенного искусства, зародившихся в центральной Индии. Это искусство было вдохновлено холмами, ручьями и лесами, в которых жили гонды.
и социальные обычаи изображены художниками Гонда в виде серии точек и тире, из которых затейливо сложены формы.
Живопись Гонда выполнялась на стенах, потолках и полах в деревенских домах в честь обычаев и праздников. Гонды также считают, что их картины приносят удачу.
Картины представляют собой сочетание земных тонов и ярких оттенков, которые отражают жизнь в полотне.
Способ выполнения живописи Гонда можно проследить в древнем искусстве татуировки, которое является распространенным среди гондов.
Картины отражали фольклор и племенные истории, спетые странствующими поэтами и певцами. Отражать историю в искусстве было обычной практикой в Индии.

Южный штат славится своей живописью Танджор. Будучи формой искусства, которая процветала в Танджоре прошлых лет, этот стиль живописи до сих пор популярен и широко узнаваем. Картины выполнены со вставками из полудрагоценных камней, стекла и золота. Они выглядят очень красиво и придают величие тому месту, которое они украшают.
Героями этих картин являются в основном боги и с большими круглыми лицами и украшенные узорами. Эта форма искусства процветала с XVI до XVIII века в Танджоре во времена династии , была под покровительством князей, Наяк, Найду, и считалась сакральной.
Популярность этого искусства совпала со временем, когда величественные храмы были построены различными правителями и, следовательно, предмет изображения вращался вокруг темы божества.
Этот стиль живописи получил свое название от метода изготовления:"калам" означает ‘ручка’, а "кари" – ‘работа’. Художники использовали изысканные ручки из бамбука, смоченные в растительных красках.
Рисунки состоят из тонких линий и замысловатых узоров.
Этот стиль живописи был разработан в Калахасти возле и Масулипатнаме рядом с Хайдарабадом.

Искусство Каламкари

Каламкари зародилось возле храмов и поэтому имеет мифологическую тематику. Некоторые картины Каламкари отражают следы персидского влияния в мотивах и узорах. Живопись Каламкари процветала во время правления Маратхов и развивалась как стиль под названием Каруппур. Она наносилась на ткани из золотой парчи для королевских семей.

Анджали Найяр, журнал Индийский вестник